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Diggin LIFE 掘って掘って掘りまくれ!

リバー・オブ・グラス

以前から気になる監督ではあったもの観る機会が無く、ようやく観れました。

『リバー・オブ・グラス』

リバー・オブ・グラス【Gucchi's Free School presents:秋の文化芸術週間 2020 ケリー・ライカート監督特集】 ‹  上映作品 ‹ 出町座


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「ウェンディ&ルーシー」のケリー・ライカート監督が1994年に発表した長編デビュー作。

南フロリダ郊外の平屋建ての家で暮らす30歳の主婦コージーは、退屈な毎日に不満を募らせていた。

空想癖のある彼女は、人のいい夫婦が大きなステーションワゴンでやって来て自分の子どもたちを引き取っていくこと、そして彼女自身は新しい人生を始めることを、延々と夢見ている。

コージーの父ライダーはマイアミ警察署の刑事だが、酒を飲みすぎて銃をどこかに置き忘れてしまい、見つかるまで停職を食らっている。ある日、地元のバーへ出かけたコージーは、うだつの上がらない男リーと出会い親しくなるが……。

少し間延びするような感覚はあったものの、これは時間が経つと良さを噛み締められる作品な気がしております。

実際観終わった後も友人と話していたんですが、そういったことでの気付きも多分にあって、かなり盛り上がりました。そしてもう一度観たくなるという好循環。

個人的な傾向としてはリンチとジャームッシュを足して2で割らない感じですかね。ツインピークスブルーベルベットのような、街で起きる、何でもないけど、どことなく不可思議な出来事の羅列であるとか、視点を変えて見てみると何が起きてるのかいまいち掴めなくなる感覚。そんな街と自分との内外での葛藤がオフビートな感じで進んでいく。実際には何も進んでいないことがわかるんですが、その辺のバランス感が作品内の色彩や音楽なんかとマッチして、画的に非常に心地良かったです。

この映画のある種面白いところがその『回り回って何も起きてない』というところかなと思う。

何かしたくて子供を置いて出ていくのに何もしない、ある種運命的な出会いにも何も起きない、プールに忍び込んで青春っぽいことをしてみてもやりきれない、強盗に押し入っても別件が起きて結局何も出来ず、単に親がいない時に自宅に侵入してみる、旅している感じでモーテルに泊まるものの金も払えずどこにも行けない。極め付けは、移動していたつもりが街周辺をウロウロしていただけという。

まぁラストシーンでちょっと衝撃的な展開にはなるんですが、とにかく何かをしたいと思ってもビジョンがない人間の生活はどこまでいっても変わらないということを突きつけられた気がする。

30歳付近のニートと人妻の逃避行という中で、結局人生ってそういうものだよね、そう思った時にちょっとした安堵感と開放感が訪れたのは本作の上手い仕掛けなのかも知れないと思ったりもしました。

他の作品も気になるものが多いので、観れれば観たいと思います。

ちなみにオルタナ好きであればエンディングの曲が刺さるはずなので是非チェックして欲しいです。


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友人と話しててもそこは共通していたものの、2人とも聞いたことがないというオチでしたが、その友人が見つけ出してくれましたので。感謝感謝。

 

ライトハウス

欲望と隔絶は人を狂わすのか、はたまた人が本質的に内包しているものなのか。

ライトハウス

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「ウィッチ」のロバート・エガース監督が、「TENET テネット」のロバート・パティンソンと名優ウィレム・デフォーを主演に迎え、実話をベースに手がけたスリラー。

外界と遮断された灯台を舞台に、登場人物はほぼ2人の灯台守だけで、彼らが徐々に狂気と幻想に侵されていく様を美しいモノクロームの映像で描いた。

1890年代、ニューイングランドの孤島。4週間にわたり灯台と島の管理をおこなうため、2人の灯台守が島にやってきた。ベテランのトーマス・ウェイクと未経験の若者イーフレイム・ウィンズローは、初日からそりが合わずに衝突を繰り返す。

険悪な雰囲気の中、島を襲った嵐により、2人は島に閉じ込められてしまう。

さすがA24といったところで、やはり尖っていました。

大衆映画に媚びないというか、そういった映画作りには本当に感服します。本作は中でも尖りすぎている気がしていて、まさに怪作といったところ。

登場人物2名、舞台も灯台のみ。もうこれだけ聞いて映画が成立するのかと思ってしまいますが、しっかりと成立してしまうんですね。

冒頭から不穏な霧笛と共に濃淡強いモノクロ映像がズッシリきます。画角も正方形に近いスタンダードサイズでクラシカルな画作り。

本作は良くも悪くも本当に何も起きない。正確には起きているのかどうなのかも分からなくなってくるほどに虚無や混沌、不安といったある種の怖さを感じるばかり。

冒頭の会話から、序盤こそたかだか4週間程度の出来事かと思っていたものの、それ以上に不安や恐怖の高まりを感じるのはやはり不穏な音とモノクロの効果なのか。

神話的な服見やモチーフが多分に含まれている作品なので、それを知っていれば当然楽しめるとは思うんですが、そうでなくても楽しめると思います。というのも本作から個人的に受けた印象は『光』と『隔絶』というもの。

光というと希望とか幸せといったポジティブなものとしての描かれることが多い気がしますが、本作では真逆、恐怖や欲望の対象に見えてくる。

光って結局視認できるけど不確かなものだし、不気味だったりもするわけで、そういった未知への羨望みたいなものが欲望にも似た感情を抱かせるんだと思うわけで、とにかく不穏に見える。

それから隔絶、人は一人になりたいとか社会と接点を持つのは面倒だとか言う人もいるけど、それが現実となった時にどう感じるのか。本作ではいちよ2人という設定ではあるものの、それも実際にどうなのかわからず、社会と隔絶されているのは事実。

期限付きであれば納得できるものも、期限が未定になったとたんに不安に苛まれる。よく、閉鎖された空間で時間間隔も失った状態に人は耐えられなくなるという話を聞くけれど、これもある意味でその状態に近い気がする。

灯台という閉鎖空間で、鬱屈した思いだけが募っていく。スタンダードサイズの画角も相まってとにかく窮屈な印象。

これほどまでに灯台の音や光、波の底無しの怖さを直接的にでなく、感覚的に抱かせるというのは、見事である一方、これが現実なのかもしれないと思うと少し怖くもなります。

視聴後にあらすじなどを観ていてジャンルがホラーだということを知ったんですが、それも納得といったところ。まあホラーといっても異質なホラーであることは間違いないですが。

 とにかく、この灼熱の暑さの中、涼しい映画館で観るには最適な映画な気がします。

とはいえ万人受けするような作品では無いと思うので悪しからず。

本当に人生の機微や意味に関して考えさせられます。そして怖くなります。自分を自分たらしめるのは何なのか、

オッドタクシー

見た目に反した内容の不穏さ。

『オッドタクシー』

オッドタクシー寄席 6月席 / 2021.06.20 (日) / TOKYO, JAPAN | ポニーキャニオン


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ビジュアルが可愛らしい印象だったこともあり、評判は聞いていたものの何となく観れておりませんでした。

そして今更ながら観てみたところ、面白い。面白いというより引き込まれるというかとにかく次が気になる。

ユーチューブのオーディオドラマとも連動していて、その趣向も面白いし、とにかく伏線の張り方や回収が見事過ぎる。


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匂わせ要素も豊富に用意されているし1話20分弱と観易いのも良い。オープニング曲を手掛けているのがスカートとPUNPEEなんですが、その曲も癖になる感じでやはり良い。


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観終わった後に歌詞を観返すと怖いやら不思議やらでこれまた仕掛けが素晴らしいです。

ネタバレや仕掛けが豊富な作品だと思うので多くは語らないけど、とにかく観て損はないと思うし、映像的にも良く出来たアニメーションだと思う。

序盤から徐々に高まってくるドライブ感と不穏さ、最後まで観た時に必ずもう一回観たくなる、珍しい作りのアニメかと思います。

アマゾンプライムで全話観れるので、是非ユーチューブのオーディオドラマと併せて観ることをお勧めします。

僕らのままで/WE ARE WHO WE ARE

そのままである難しさと認めるということ。

『僕らのままで/WE ARE WHO WE ARE』

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ルカ・グァダニーノ監督がテレビドラマに初挑戦!カンヌ国際映画祭・監督週間でも選ばれた期待作

君の名前で僕を呼んで』(2017年)、『サスペリア』(2018年)など数々の話題作で世界を驚かせ続けるルカ・グァダニーノ監督がテレビドラマに初挑戦。

アカデミー賞ゴールデン・グローブ賞ほか、名立たる賞レースでのノミネート、受賞歴を持つ監督自ら脚本、監督、製作総指揮を務めた本作は、コロナウィルス感染拡大の影響によりあえなく中止とはなったが、2020年のカンヌ国際映画祭・監督週間にも選出されるなど、アメリカでの放送前から期待が集まった注目作。

描かれるのは、監督のこれまでの作家性が凝縮されたような、10代の少年少女のままならない青春、そして苦悩だ。手書き風のタイポグラフィ、スローモーションやPOVなど挑戦的なシーンも多数あり、2020年代を代表する1本となるだろう。

ちょうどプライムセールの際にスターチャンネルドラマクラシックが2か月99円というセールをやっていたので入って観ました。

前から観たいと思っていた本作だったんですが予想通り最高な作品。

監督を務めるのがルカ・グァダニーノ。『君の名前で僕を呼んで』で一躍有名になった監督ですが、多分に漏れず映像美が素晴らしい。

イタリアのカラフルさと伝統的な建築の見せ方が見事。

本作は舞台はイタリアながらもその中にある米軍基地がメイン。この入れ子構造がまた見事で、文化的、社会的背景の齟齬と年齢的、ジェンダー的な齟齬が複雑に描かれていく。

とはいえ難しく考えなくても、ただただ青春群像劇が描かれていているといっても過言では無いと思う。

ただ、旧来のそれとは大きく異なっており、以前以上に複雑になった若者の感情やあり方なんかが描かれている。若い頃ってとにかく感受性は豊かだったと思うし、ある種社会と距離があったというか、気にしていなかった。気にしていたのはどちらかというと周囲数十メートル内のことがほとんどだったし、本質的な気付きみたいなものもほとんどなかったと思う。ただ上っ面にカッコイイこととか、憧れることとか、好きなこと、みたいなものに突き動かされ、刺激されてといった感じだった気がする。

その辺は本作でもまさにそのまま描かれているし、多感な感情も良く表現されている。大きな違いと言えば特に『性』の部分で、何をもって他者と線を引いたり、踏み込んだりするのかということ。

この辺がジェンダーレスになってきている昨今としてはかなり考えさせられるところがあると思うし、テーマ性とも大きく結びついている気がする。

そこに『国』や『アイデンティティ』という、根源的であるものの、不確かで観念的な概念が入っているのも面白い。

若者の日常を描いているわけで、やはりファッションや音楽も切り離せない。主人公のフレイザーはファッションに興味があり、着ているものもラフシモンズやギャルソンといったハイブランドのもの。

表向きのデザイン性だけでなく、その哲学などにも興味を持って着ているところが内面の葛藤とリンクしてると思うし、その着こなしも回を重ねるごとに馴染んでくる。

その辺の細かい部分がルカ・グァダニーノの見事な部分だと思うし、それを演じているジャック・ディラン・グレイザーのこなれていく演技力も見事で癖になる。

音楽面もブラッドオレンジが手掛けていて、素晴らしくマッチしている。カラッとした雰囲気のものもあればしっとりとしたムードある楽曲もぴったり。

特に終盤のライブシーンの上がり様といったらこのコロナ禍ですっかりご無沙汰となってしまったあのライブの興奮が蘇る。

臨場感とスタイリッシュさ、人でごった返したあの空間での特別な時間を若い頃に体験すれば間違いなく忘れられない経験になるであろうことがひしひしと伝わってくるところ込みで、本当に良いライブシーンだった。

誰にでもあったあの頃と、今の時代の空気感をマッシュアップさせ、映像的にも音楽的にも心地良いバランスに仕上がった今の時代のドラマじゃないでしょうか。それにしてもルカ・グァダニーノ、ハマりそうです。

ハウス・ジャック・ビルト

芸術は狂気と紙一重なのか。

『ハウス・ジャック・ビルト』

ポスター画像

ダンサー・イン・ザ・ダーク」「ニンフォマニアック」の鬼才ラース・フォン・トリアーが、理性と狂気をあわせ持つシリアルキラーの内なる葛藤と欲望を過激描写の連続で描いたサイコスリラー。

1970年代、ワシントン州。建築家を夢見るハンサムな独身の技師ジャックは、ある出来事をきっかけに、アートを創作するかのように殺人を繰り返すように。

そんな彼が「ジャックの家」を建てるまでの12年間の軌跡を、5つのエピソードを通して描き出す。殺人鬼ジャックを「クラッシュ」のマット・ディロン、第1の被害者を「キル・ビル」のユマ・サーマン、謎の男バージを「ベルリン・天使の詩」のブルーノ・ガンツがそれぞれ演じる。

カンヌ国際映画祭アウト・オブ・コンペティション部門で上映された際はあまりの過激さに賛否両論を巻き起こし、アメリカでは修正版のみ正式上映が許可されるなど物議を醸した。日本では無修正完全ノーカット版をR18+指定で上映。

常に思うこと、何かを作るとか考える時になぜそう思うのかということ。

全く無意識的に何かをすることは出来ない筈だし、何かしらの製作者側の意図が入るものだと思う。

ただ、普通は常識や理性、社会性などが入り込み、ある種の線引きが為されるはずだと思っていて、本作のような主人公にはそういった線引きがされず、本人の中で事象そのものをどう捉えてるのかすらわからないように見える。

そんな人がいるというのもまた事実だろうし、意外に身近にもいるのかもしれないと思うと本当にゾッとする。

一方で芸術のような答えのない追及を考えるとアリな気もしてしまうところが不思議。人の善悪とか行動の正当化って何でされていて、何でそうなっているのかわからなくなる時もある。

例えば作品内で出てくる狩りの場面にしても、他の動物を狩るのは正当化され人間を狩るのはなぜ非難されるのか。

自分自身に刷り込まれている感覚はそれを正当化しないが、状況が変わればどうなるのかはわからないとも思う。戦時中なんかはそういった愚行が当たり前のように行われていたわけだし、人はそういった『慣れ』に弱いのかもしれない。

作品内での序盤と終盤に描かれていた、草を狩る音が好きということ。それが呼吸をするように理路整然と刈られていく心地良さ。彼自身に刷り込まれた原風景が、歪んだ形で人を狩り、その呼吸そのものを楽しむという形に変わっていったのだとすると、それはまた狂気的であるとは思うものの、誰の中にもある何かなのかもしれないと思ってしまう怖さがある。

まあ芸術性と狂気性は表裏一体なのかもしれないと思ったとだけでも本作の価値はあるのかもしれない。

午前十時の映画祭11~イージー★ライダー編~

理想と現実って一体。

『午前十時の映画祭11~イージー★ライダー編~』

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デニス・ホッパーが監督・脚本・主演、ピーター・フォンダが製作・脚本・主演を務め、アメリカン・ニューシネマを象徴する金字塔的作品として映画史にその名を残す傑作ロードムービー

自由と平和を求めてアメリカ横断の旅に出た2人の青年が、アメリカ南部で偏見・恐怖・憎しみに直面する姿を描く。

低予算ながら世界的ヒットを記録し、インディペンデント映画をハリウッドメジャーが配給した最初の成功例として、それまでの映画会社主導による映画製作システムを覆した。

1960年代、アメリカ。ドラッグ密輸で大金を手にしたワイアットとビリーは、ハーレーダビッドソンにまたがって旅に出る。ロサンゼルスから謝肉祭の行われるニューオーリンズを目指す2人は、農家で食事をご馳走になったり、ヒッピーのコミューンに滞在したりと気ままな旅を続けるが……。1969年・第22回カンヌ国際映画祭で新人監督賞を受賞。日本では70年1月に劇場初公開。2020年2月、公開50周年を記念してリバイバル上映。

やっぱりこういった過去作を映画館で観れるのは良いですね。

今回は町山さんの解説もあったのでそれと合わせて観ることでの、色々な気付きもあったような気がします。

本作ですが、勝手なイメージとして持っていたのは『とにかく自由を謳歌する』というもの。単純にポップな放浪ものといったカルチャームービーだと思っていました。それが大きく覆されたというか、それもあるけどその一方でと言いますか、切なさともどかしさと。

冒頭といい、その後のストーリーといい、とにかく物語はあってないようなもの。今でこそ日常系とかロードムービーと言われるジャンルも当たり前にありますが、当時にそういった作品があったのも新鮮に感じます。

中でも終盤のLSDによる幻覚シーンは本当にアヴァンギャルドの一言。デニスホッパーらしいと言えばそうですが、本気でトリップしている感じがするほど印象深い。

楽曲の使い方も雰囲気とマッチしてますし、とにかくカッコいい。サントラムービーとしての様相も当時としては珍しいんじゃないでしょうか。当時の雰囲気も感じられますし、当時の若者が憧れる部分みたいなものも非常に良くわかる。

規制や偏見も多かった中でのカウンターカルチャー隆盛期、今以上にパワフルだったと感じるものの中にも、難しい問題や逆境があったのかと思うと本当に感慨深いです。

今では趣味の一環として、カルチャーと一括りに呼びがちですが、本作を観てカルチャーというのは少数派による、阻害されるものから生まれるのかなと思ったり。大衆にまで浸透してくるとそれはカルチャーというよりもむしろ娯楽になるわけで、あくまでもカルチャーというのはそういった少数派の文化なのかと。まあ単純にカルチャーと言って一般に浸透しているものを語ってても語りがいも無いし、そこまで熱くもなれない気がするというのもある気がします。

作品自体のテーマ性や革新性も今観てもエッジが効いてますし、ラストの衝撃も中々のもの。

中盤から後半にかけての展開も、今観ても思うところがあるなと思わされます。「自由を語ることや主張することは称賛されるが、その自由を行うものには偏見や妬みがつきまとう」といったセリフも、自分たちが心のどこかで思う羨ましさ、それを行えないことが暴力や差別といった形で出てくるというのはいつの時代も同じことで、本当にくだらない妬みだと思う。

「人の死は棺桶に入った後で決まる」というのも、的を経ているようで本質は違うだろと思うところにもモヤモヤするし、そういった感情が鬱積したうえでのあのラストはやるせない人間の嫌な部分を見せられた気がして愕然としました。

時代が変わっても変わらないものと、変わったことも垣間見え、こういう機会は貴重な体験になるなと改めて思わされたところでした。

少しの時間でちょっとの旅感~別所の湯編~

久々のサウナ。

『少しの時間でちょっとの旅感~別所の湯編~』

今回は少し非日常感的なものを求めつつ、サクッと行ける厚木、別所の湯へ。

www.town.kiyokawa.kanagawa.jp

ここは住んでいるところからもほど近く、それでいてかなりの田舎感。

その感じを目当てにサウナーであるhr-d氏と一緒に行ってきました。

聞いていた通りで本当に車であっという間。国道246号厚木付近からは15~20分もかからないで着きました。

それでいて周りの風景は山中で自然しかないですし、静かな環境。短時間でちょっとした旅感を味わうには十分すぎる環境じゃないでしょうか。

サウナはというと定員は6名ほどの非常にコンパクトなサイズ。今はコロナ禍の為、3名までとなっていました。

風呂も内湯と露天の1つずつで。まあ地域に根差したコンパクトな作りなんでしょう。

しかし、露天からの景色は雑木林だけが広がり、都内の喧騒に疲れた方には癒し効果抜群。

その魅力でサウナも何割も増されるというものです。

盲点だったのが、水風呂。内湯の横にあるものがそうだと思ったら、それはぬる湯でした。どうりでととのわないわけです。

その後、サウナ2ラウンド目に外のベンチに座っているたところ、ふと目に付いたものが。釜風呂のようなものがあることに気付き、触ってみたところ、冷たい。そう、これが水風呂なのでした。

そこに入って外のベンチで休むという流れにより、すぐにととのい、万事休す。

本当はそこでそのまま食事もしたかったのですがメニューを見ていたところ今は18時半にはラストオーダーとのことでした。残念。清川村の食材とかを使ったメニューなんかもあったみたいなので、是非再訪の際は食べてみたいところです。

余談ですがサ道がまたドラマで始まるようでそちらも楽しみなところです。

www.tv-tokyo.co.jp

清川村ふれあいセンター 「別所の湯」/清川村